Image à la Une : Vue de mon atelier avec au premier plan un grand dessin en courbes
Dès les débuts de l’Art, la courbe prévaut, peut être à l’imitation de la Nature ou simplement épousant le geste de la main qui spontanément ne maitrise pas complètement la ligne droite, pour suivre un élan naturel.
Dans les premières étapes de mon travail la courbe s’est imposée. Nous en avons parlé précédemment en évoquant les ondulations de la chevelure ou les courbes parallèles des reliefs terrestres ou des fossiles.
La courbe pour moi s’est imposée dès mes débuts dans mes dessins ou gravures et peintures. Ce furent alors d’innombrables pages de courbes parallèles qui peu à peu évoluaient et se transformaient dans un sens plus précis comme des corps vivants qui se tordent jusqu’à des masques ou devenaient des arbres ou racines tortueuses.
Je pensais cela et en même temps découvrais les rochers de Gavrinis aux décors de courbes abstraites ou aussi à Carnac.
Je pensais aussi aux masques africains ou aux tatouages ou aux courbes de nivaux de l’art égyptien ou encore aux tatouages des Maoris avec leurs courbes parallèles infinies.
Ce furent de vrais études d’art à l’école de la Préhistoire ! Sous l’œil des Vénus plantureuses de Lespugue et Willendorf et des Vénus stéatopyges qui se trouvent être à l’origine de l’Art.
Ainsi fut mon chemin qui me conduisit à nommer cette période de ma création » le Courbisme » qui semble à l’origine de l’Art .
Le parcours était long et peu à peu il me vint à la pensée de progresser dans le temps et d’envisager les périodes de l’humanité plus évoluées ou de grande culture. Si l’antique est riche en art de la courbe (les voiles courbes ciselés dans le marbre des Grecs en sont un bel exemple, dessinés jadis avec minutie en école de Beaux Arts), le moyen âge voit dans son œuvre phare, le livre de Kells, l’acmé de la floraison de la courbe.
De même qu’elle se remarque dans le livre que j’ai sous les yeux à propos de la Bible de Chartres. Et la courbe se retrouve essentielle dans l’art des enluminures au cours des siècles médiévaux.
Ce voyage accompagné de courbes est aussi évident au 16ème siècle avec l’école de Fontainebleau et se poursuit dans les siècles suivants pour exalter la vitalité de la pensée de l’Art. C’est la Pensée qui vit, se développe pour créer, peindre, sculpter, écrire, inventer. ..
Cette pensée de l’Art animée par la courbe revient actuellement dans mes grands dessins figuratifs de personnages et compositions figurées.
Dessin sanguine sur papier – R. DumouxDessin sanguine sur papier – R. DumouxDessin sanguine sur papier – R. DumouxDessin sanguine sur papier – R. Dumoux
Image à la Une : esquisse pour la composition d’une toile monumentale de 5 mètres : « Le trou noir » – R. Dumoux
Cet article du Blog Viapictura fait suite à d’autres articles commentant mon travail.
Et cela depuis le travail abstrait de la courbe se déroulant ensuite dans la figure, vers un art figuratif symbolique que j’ai beaucoup pratiqué jusqu’à mon évolution vers la composition historique et enfin vers un ensemble monumental peint figuratif et historique qui se destine à l’approche de diverses civilisations dans l’histoire.
C’est une approche qui se précise dans un sens ethnographique décrivant et commentant les coutumes historiques de divers peuples,
pour ainsi remonter dans le temps comme avec une machine à remonter le temps ..
pour finalement se ressourcer dans la Préhistoire et ses pratiques ..
comme pour retrouver le Temps d’avant qui maintenant nous dépasse et nous précède ..
après de multiples catastrophes générales jusqu’à Apocalypse, après notre période actuelle cataclysmique . .
La Vitalité graphique, le Dessin en mouvement, déterminent une activité très constructrice.
Cette activité conduit dans le cours de l’évolution humaine à un grand nombre de découvertes et de réalisations symbolisant le dynamisme de la vie et de l’Histoire … Peu à peu j’ai été conduit à considérer et dépeindre l’activité des hommes dans leur histoire et leur vie pratique et quotidienne. C’est ainsi que s’est définit progressivement pour moi la Peinture d’Histoire.
Ainsi il s’agit de la représentation des hommes dans leur histoire, dans leur vie courante, intellectuelle et spirituelle. De ce fait la peinture d’histoire semble être une donnée majeure de la construction du Temps et de l’Art.
De préférence on choisira la description des évènements les plus prestigieux et marquants d’une époque.
A la base, il y a un processus culturel montrant les hommes dans leur vie et leur activité. C’est une activité descriptive et aussi dépeinte, gravée ou dessinée. Cela définit bien où se situe la Peinture d’Histoire.
J’ai développé cette approche par le biais de lectures et de recherches écrites d’une part (un grand nombre de notes écrites) et d’autre part à l’aide d’une grande activité graphique meublée de milliers de dessins : études historiques, philosophiques avec les figures populaires ou historiques s’y rattachant, illustres dans les moments importants de notre histoire.
De là découle une richesse du récit que le peintre discerne et met en valeur dans l’ensemble de ses compositions comme dans l’approche des détails rares mais précis historiquement. (Par exemple l’image du détail de ce tableau montrant l’assassinat du capitaine Cook devant son bateau prisonnier des indigènes au cours d’une expéditions lointaines dans les îles)
Tout ce discernement de faits et détails se fait par une étude personnelle mais aussi à partir d’enseignements spécialisés reçus. Cela grâce à un travail assidu.
Tel parait être pour moi tout le travail fourni (à la fois technique et intellectuel) dans l’étude des miniatures médiévales, par exemple dans les évangéliaires et auprès de maîtres tels les frères de Limbourg, Jean Pol ou Herman ou Jean Fouquet ou Jean Bourdichon ou le maître de Dunois ou Jean Haincelin, etc. Jusqu’à la réalisation de panneaux, toiles ou triptyques. Œuvres pour la plupart inspirées des dessins et gravures dont il faudrait mieux définir l’importance exacte dans un autre article, spécifique au dessin et à la gravure en aussi grand nombre.
Exemple n°1 de recherche pour la composition d’une toile de 5 mètres : le Tibet
Exemple n°2 : Ci dessous il s’agit d’une toile horizontale de 2 mètres x 3,20 m sur le thème de la table et du repas. Ce thème se retrouve dans mes collections avec des compositions évoquant le repas à Emmaüs ou les noces de Canna mais aussi des compositions sur les repas des dieux, les noces, les bacchanales et autres spectacles païens. (Précédemment, d’autres séries ont été constituées sur le thème du lit ou encore du bateau, de la barque)
Villard de Honnecourt est né au XIIIe siècle à Honnecourt sur Escaut. Son recueil comprend 250 dessins dont un certain nombre d’architectures. Il a travaillé à la constriction de cathédrales comme Reims, Chartres, Cambrai, en Hongrie aussi ou à Lausanne.
Depuis de nombreuses années les dessins de Villard de Honnecourt m’ont beaucoup inspiré, sur le plan du Graphisme linéaire, sur la silhouette de ses figures très vibrantes.
Son carnet de 14 x 22 cm présente de nombreux dessins que l’on peut réunir sous divers thèmes :
– des planches naturalistes – des calligraphies – des personnages avec des allégories – des dessins d’architecture (cathédrales) et aussi des tracés géométriques abstraits – des engins et machines militaires et de chantier pour des gros travaux
L’ensemble des dessins de Villard de Honnecourt m’a toujours inspiré depuis les Beaux arts en raison du tracé très linéaire et à base de courbes. Ses lignes ont eu en moi une grande influence depuis très longtemps, pour mon travail de dessin constitué de courbes parallèles (par exemple au début avec les 2000 dessins ou bien les grands dessins de courbes de très grandes dimensions, dessins monumentaux) Et aussi en raison du caractère naturaliste stylisé des personnages.
Image à la Une : vitrine étagère placée derrière ma chaise à la table de la cuisine
(Articles divers au jour le jour…)
Mes dessins se poursuivent et cette fois se rapportent aux miniatures de Christine de Pisan dans l’Épitre à Othéa. Ou bien encore avec les miniatures du Cantique des Cantiques au 13éme siècle en Italie.
« La Roue de Fortune » – Crayon de couleur et mine de plomb sur papier – Raymond Dumoux
Et parfois, sur le coin d’une table de ma maison qui est peu à peu une sorte d’atelier, (chaque pièce étant ainsi), je parcours les chapitres de la Légende Dorée et les récits de la vie des figures historiques. Telle est ma source d’inspiration pour le moment.
La table de cuisine est destinée aux repas mais aussi à mes dessins quotidiens avec sa vitrine étagère placée derrière ma chaise. Sur cette table, le titre d’un volume m’interpelle : « Chagall, Lissitzki, Malevitch ». Je revisite le constructivisme, le suprématisme à cette époque après la révolution Russe à la suite des malheurs et désastres et après le massacre de Nicolas II et de sa famille. Je comprends le choix de Chagall de quitter Vitebsk et son école populaire d’art pour travailler sa peinture à la façon d’un poète, d’un grand inspiré. Alors que l’école d’Art de Vitebsk va se diriger vers un certain nombre de poncifs plus pratiques. J’en parlerai mieux bientôt.
« Le Cantique des Cantiques » Ébauche d’un panneau a Tempera – Raymond Dumoux
Image à la Une : « Les 2000 dessins » Raymond Dumoux 1962-1963
Un espace cosmique se développant à partir d’un point, d’un noyau ou embryon. Mon travail de dessin, de composition, de graphisme se développe depuis les années 60 avec les 2000 dessins de 1962-1963.
Ils constituent une origine qui se prolonge jusqu’à maintenant de façon plus ou moins apparente mais très inspirée par la Courbe.
« Glyphes Maya » – Sanguine sur papier – Raymond Dumoux – 2019
Partant d’un point, d’un embryon, un dessin se déroule en spirale de plus en plus grande pour se développer ou se propager alentour avec de multiples ramifications qui aussi vont se développer en courbes parallèles se superposant. C’est la caractéristique d’un développement embryonnaire.
Certaine page des dessins sont très abstraites mais ensuite se diversifient. Elles font apparaitre des silhouettes animale ou humaine des yeux, muscles, bouches… Des corps assez complets évoquant les Vénus préhistoriques par exemple. Ainsi tout un monde va naitre ! : une sorte de Biodiversité.
Ces courbes parallèles paraissent aussi comme des courbes de niveau définissant les relief du sol de la montagne comme des rochers ou sculptures égyptiennes.
Jusqu’à relier les courbes de jardins Zen aux reliefs créés sur les Rochers de Gavrinis en Bretagne.
¨Plus simplement ce travail de la courbe trouve un aboutissement dans certains portrait et dans toutes le figurations de mes toiles qui en effet conservent cet aspect nature dans le développement de la souplesse des corps, des drapés et des anatomies. » … Jusqu’au visage du Christ de Claude Mellan.
« Dessin à la plume » – Encre de Chine sur papier – Raymond Dumoux – 1970
Comme j’ai pu l’écrire, chaque jour un travail graphique s’impose à moi. Chaque jour, au moins 2 à 3 pages dessinées sortent de l’ombre, prennent naissance et cela depuis plusieurs décennies.
Ce sont des desseins inspirés parfois de catalogues imposants de Rembrandt à Poussin ou Dürer ou encore des Fresques des temples de Lhassa au Tibet ou de Turquie comme des églises romanes… Images et desseins inspirés aussi des revues d’art comme « l’Estampe », ou des miniatures de Jean Fouquet et de Jean Bourdichon et de bien d’autres.
Enfin ce sont aussi des dessins imaginés librement évoquant un souvenir, un concept issu de ma pensée, de mes lectures ou bien simplement le souvenir d’œuvres vues et analysées, que ce soit au musée d’Orsay ou au Louvre ou encore au centre Pompidou pour se terminer au palais de Tokyo avec le monde actuel ou au musée d’art moderne de la ville de Paris. Autant de lieux que j’ai bien souvent fréquenté (sur une durée d’environ 30 ans) en visitant de très nombreuses expositions ou rétrospectives à Paris. En témoignent mes feuilles de notes ou petits croquis, schémas de ces années là.
Et aussi ailleurs, ce furent des dessins inspirés du geste puis d’une forme automatique qui se développe indéfiniment et par milliers.
Ce travail de dessin est une expression mais aussi une recherche et une étude d’œuvre pour une nouvelle création ou une connaissance d’un moment particulier de mon histoire et de l’histoire proche des siècles passés ou bien visant le futur. Cette approche est comme une lecture qui permet de comprendre, de méditer à la pointe du crayon l’esprit qui en émane.
C’est aussi une compilation, peut on dire, où le monde se bouscule de l’antique à l’art l’actuel, artistique, scientifique ou cosmique.
Cette prolifération exprime la liberté de tout appréhender. C’est la conquête d’une liberté sans frontière qui va me permettre de créer selon une graphie particulière qui est le fil conducteur de ma pensée comme un influx du cerveau, un enregistrement qui se met en mouvement, et trace, écrit ou danse.
Ainsi quelques exemples avec les titres de mon travail actuel peuvent être cités :
– Les grandes figures mythologiques de Jupiter à Hercule ou Orphée et le Panthéon complet ou comme actuellement la mise en place d’une toile de 3 mètres à propos d’Orphée et les animaux accompagné cette fois-ci d’Eurydice.
– L’inspiration biblique de Moïse à Jésus. Ou Bouddha ou encore les divinités et cultes des Ethnies et peuples d’Afrique ou d’Asie.
– Les cabinets de curiosité comme celui d’Aldrovandi.
– L’inspiration des grands maîtres de Dürer, Rembrandt à Piero della Francesca ou Titien.
– L’Inspiration des trésors des Manuscrits de Topkapi à l’Enluminure Médiévale en grand nombre qui sera étudiée et dessinée librement de façon assidue.
L’ensemble de cette accumulation dessinée de milliers de dessins interroge .. comme une vue Kaléidoscopique du monde. Cependant, derrière cette somme apparait nécessairement une communauté d’esprit entre tous les éléments. Par exemple, il y aura un mouvement, un graphisme, une écriture proche et familière à chaque page.
Pourquoi ce dessin se démultiplie t’il ?
D’abord c’est un besoin personnel de graphie quasi permanente.
Puis, de la simple copie, le dessin devient une recherche de composition originale. Il peut aussi être considéré comme pièce de collection dans un ensemble graphique et iconographique sur le même thème.
Cette somme de dessins est la base de l’ensemble de mon travail selon un choix personnel vécu : des gravures, eaux fortes, burin, panneaux a tempéra, toiles de 150 cm x 250 et enfin un ensemble monumental peint de 65 toiles de 5 mètres x 3 : C’est un panorama historique de l’humanité depuis le Big Bang jusqu’à maintenant et se projetant dans l’espace, dans la robotique, les implants et le futur ou l’espace.
Que dire de cet ensemble sinon qu’il n’est pas comme un navire échoué.
Ce ne sera pas cela mais comme un sauvetage de l’esprit, de la recherche, de l’intelligence et de la générosité, de l’humanisme.
A la suite de cela, on peut évoquer le DESSIN à l’époque de Rembrandt avec l’importance majeure du dessin au XVIIéme siècle.
Les élèves de Rembrandt comme lui même devaient dessiner chaque jour. Le dessin était une matière générale enseignée aux enfants.
Dès l’âge de 12 ans, le jeune peintre Moses ( au 17éme siècle) réalise des dessins à partir de la sculpture antique et de la Renaissance. Puis il fait des copies d’estampes de Dürer, Blomaert ou Carrache. Il peint des scènes narratives comme Moïse sauvé des eaux ou le Jugement de Salomon. Les dessins de toute la famille sont conservés par le père puis transmis aux descendants : cela montre l’importance du dessin au 17éme siècle, la compréhension et l’intelligence de cet Art et de sa Pensée, la Pensée de L’Art .
Dès l’antiquité, La devise d’APPEL était :
NULLA DIES SINE LINEA. Ce mot, rapporté par Pline l’ancien, était populaire en Hollande.
On encouragea à dessiner tous les jours : « Qu’aucune journée ne se termine sans avoir tracé un trait « . Appel incarne cette maxime.
Citons un exemple d’un grand processus créateur à partir du Dessin :
Il eut lieu en Hollande au XVIIéme siècle à l’époque de Rembrandt. Il fallait maitriser la pratique du dessin. Van Mander décrit ainsi les préparations du dessin pour créer une peinture.
On était déjà rompu au dessin depuis l’enfance car le dessin dès les premiers âges était enseigné dans les programmes scolaires.
Van Mander, théoricien de l’art a décrit ainsi comment on s’attache aux dessins sous-jacents qui sont tracés directement sur le tableau ou la toile ; et guidant l’artiste dans la réalisation de la peinture. Certains artistes ont réalisé leur dessin directement sur la toile ou le panneau et ensuite les ont couvert de couches transparentes en superposant les couleurs.
Plusieurs étapes se succèdent ainsi :
– 1 Le tracé à partir du Dessin précis est l’étape cruciale pour la réalisation et la réussite du tableau. Il est du ressort exclusif du peintre.
– 2 La prééminence du dessin, reposait sur l’idée que sa pratique aiguisait le regard et qu’il fixait dans la mémoire un objet d’étude.
– 3 Sa technique et pédagogie : dessiner les membres du corps un à un puis comment les combiner, d’abord pour un enfant puis pour un adulte et enfin assembler 3 ou 4 personnes pour réaliser une composition, un ensemble de figures.
Il y eut à cette époque une grande quantité de dessins et de carnets qui ont disparu, ce qui parfois nous prive d’information sur les techniques et les sujets ; Une autre fonction du dessin au 17éme en Hollande était de cataloguer ses dessins dans un livre, un Carnet de modèles.
Un Artiste à l’époque de Rembrandt se devait de posséder et de publier un livre d’estampes représentant des statues, pour offrir à l’Art des fondements universels et classiques, antiques et réels.
Mes collections de dessins par milliers sur des années se rapportent à ce travail de compilation des anciens maîtres et en soi constituent une richesse de références mythologiques, bibliques, historiques et aussi par rapport à l’actualité des sciences, de la robotique, à la conquête de l’espace ou de la biotechnologie ou à la biodiversité.
(Se joint à cette compilation de dessins, mes collections de gravures depuis les années 75-80.
Exemple sur le site viapictura.com :Diaporama de 40 gravures de l’ensemble monumental peint.
Autres fonctions du dessin :
Dans les siècles passés le but du dessin étaient de parvenir à proposer des modèles pour la sculpture, le vitrail ou la tapisserie et aussi divers modèles pour les artisans. C’est un exemple de la prééminence du dessin qu’il est essentiel de maîtriser pour réaliser des compositions en peinture et des cartons pour les métiers d’art. Il y eut aussi les dessins de cartouches, les cartes topographiques, les atlas, et les frontispices. Divers artistes ont produit des cartes du Monde. Par exemple Berchem et ses allégories des éléments naturels au 17éme siècle.
Ce sera aussi la production dessinée, gravée pour être diffusée, des arts appliqués avec des modèles de cartouches, de vaisselles comme un projet de salière de Wetwael. D’autres artistes ont travaillé ainsi des modèles d’orfèvrerie maniériste à Utrecht. Enfin les architectes ont dessiné des projets très aboutis pour des églises, hôtels de ville, pour un yacht royal comme pour la plupart des projets d’ustensiles usuels.
En dernier lieu il apparait que le Dessin fut la porte ouverte à la production d’un grand art :
la Gravure qui sera développée brillamment et diffusera à l’aide de ses multiples textes et estampes, l’histoire, la vie, les grands chefs d’œuvre de tous les temps de la peinture, de la sculpture à l’architecture. Les xylographies, les burins et eaux fortes sont produites comme œuvres indépendantes ou comme illustrations de livres ou encore pour diffuser la grandeur d’un pays ou d’une nation ou d’un Roi.
Au 16éme siècle, Cock publie Brueghel l’ancien, Floris et aussi des dessins de Stradanus, de De Vos très détaillés qui étaient ensuite gravés sur cuivre.
Également les dessins de Vinckboons qui représente des ripailles de mendiants et pouilleux.
L’ensemble de ce texte ci dessus peut paraitre désordonné et disparate. Il est l’image d’une prolifération de l’Art du dessin, omniprésent dans les diverses activités de l’Art et de la vie en société, mais aussi toujours présent partout en tout lieu et à toutes les époques des civilisations.
C’est tout cela d’ailleurs qui détermine l’importance majeure du dessin.
Ainsi, le corpus de mes dessins devient peu à peu une somme immense et comme un cosmos ou un océan infini qui sera la source de toutes mes réflexions et de toutes mes compositions.
N.B. Chacun de mes dessins est suffisamment travaillé et sur la marge ou bien en haut ou bas, chaque page souvent contient des annotations, un texte. Ces annotations expliquent au lecteur l’origine de la composition ainsi que la description du contenu graphique, légendaire ou symbolique. Ce commentaire permet au lecteur grâce à Google d’entrer dans le détail complet du dessin présenté.
L’ensemble des centaines de dessins ainsi commentés devient un répertoire impressionnant et d’un grande richesse pour composer… écrire ou peindre et humblement je dirais qu’il me rappelle l’utilisation par les maîtres anciens de la Légende dorée de Jacques de Voragine.
Image à la une : Auguste Rodin (1840 -1917) Ugolin entouré de trois enfants – Vers 1880 – Crayon, plume et lavis, encre et gouache sur papier H. 17,3 cm ; L. 13,7 cm – D.7627 – Ancienne collection Maurice Fenaille, acquis en 1929 ? Crédit photo : Musée Rodin
Le centenaire de Rodin : Les dessins noirs
Plutôt que de célébrer la date anniversaire de Rodin et de dire ou rappeler les caractéristiques bien connues de son œuvre, j’ai préféré m’entretenir de certains aspects importants et parfois moins connus de Rodin.
En particulier j’ai retenu son corpus de dessins tels que les « dessins noirs », au nombre de 600 et consacrés à la Porte de l’Enfer.
.Cette appellation, les dessins noirs, se rapporte à la majorité des 600 dessins de Rodin, réalisés au moment de sa recherche pour la Porte de l’Enfer. C’est un moment fort dans l’œuvre de Rodin, et c’est pour ce travail que Bourdelle a créé ce mot.
Ces dessins sont d’un grande richesse et d’une grande diversité autour de la porte de l’enfer.
Ce sont de petits formats (de 10 à 15 ou 20 centimètres) sur des papiers médiocres ordinaires. Il peut commencer une esquiss et ensuite la coller sur une plus grande feuille pour dessiner autour, ajouter d’autres figures puis des couleurs, des gris, noirs et aussi rajouter un petit dessin collé.
Parfois il utilise le dos d’un papier imprimé ou bien sur le recto on voit les traces d’une marque ou d’une adresse imprimée, comme avec un imprimé de 1882.
La qualification de « dessins noirs » correspond à la partie dessinée de l’œuvre de Rodin. Bourdelle en est à l’origine car il l’admire profondément. Ainsi on a fini par utiliser ce terme pour l’ensemble de la production dessinée de Rodin de 1875 à 1890.
On retrouve les mêmes caractéristiques pour les dessins desFleurs du Mal de Baudelaire et les études dessinées par Rodin pour sa sculpture de Victor Hugo.
La source majeure des dessins noirs de Rodin est l’Enfer de Dante.
Pendant un an il a « vécu « avec Dante et il a dessiné les 8 cycles de l’Enfer, mais, sans suivre vraiment les phases du poème chant par chant. Rodin est simplement attiré par certains épisodes précis pour dessiner ou faire des esquisses.
Rodin sépare les cercles fondamentaux de Dante qui programme les tourments et supplices. Il ne conserve de Dante que l’ambiance et quelques images. Enfin il n’hésite pas à mêler des images des Métamorphoses d’Ovide ou aussi des Fleurs du Mal.
Rodin n’est pas un illustrateur ni un copiste et son travail devient l’Enfer de Rodin
Les Dessins de Rodin sont souvent sans titre et ne sont jamais datés. Pour Rodin les champs d’expression se mêlent, se contaminent. Dans ses dessins il utilise des études directes du chant de Dante sans les modifier Et aussi ses travaux pour les vases de Sèvres qui viennent se mêler à sa recherche. Cette Contamination est une caractéristique du travail de Rodin.
En 1897, il y eut la publication des dessinsde l’Album Fenaille. Cet album montre la dimension récupératrice du travail de Rodin pour déterminer ses composantes personnelles de sa porte de l’enfer.
Rodin a lu et relu la divine Comédie. Il avait souvent dans sa poche une petite édition du texte de Dante. La source Majeure de Rodin est en effet le poème de Dante Alighieri.
Cette publication montre 3 chapitres : L’enfer, Les Limbes, et les études. Et dans ces 3 parties on trouve des œuvres intitulées Ombresqui y figurent largement.
Là également il existe chez Rodin une tendance à la licence poétique, licence qui aboutira à la publication des Cathédrales de France avec de grandes envolées lyriques .
Peu à peu, dessin après dessin, on aboutit à la création de ces innombrables poèmes qui composent la Porte de l’Enfer.
Actuellement des dessins noirs sur les 600 pour la Porte apparaissent sur le marché de l’art.
J’ai écrit cet article car l’œuvre dessiné de Rodin est peu connu, alors qu’en réalité il est pour Rodin essentiel, en première position, dans tout son travail.
A titre personnel je me sens en harmonie avec cette multiplicité de dessins de toutes techniques et de tous formats, dont le corpus d’ensemble est évalué à plusieurs milliers.
Suite à la mise au point d’une maquette en noir et blanc (et projet couleur), je commence à graver à la pointe sèche (pointe diamant) sur cuivre : les Vikings.
Il s’agit là d’un nouveau projet de toile mesurant 5 mètres x 3.
Cette toile est destinée à mon Ensemble monumental peint, panorama sur l’histoire de l’humanité composé d’au moins 50 tableaux a tempéra sur toile de 5 mètres x 3 chacun.
Comment conter et suggérer la vie de ces peuples Vikings vivant dans un espace aussi vaste et sur 3 ou 4 siècles ?
Cela m’a contraint à dégager les éléments les plus significatifs de leur histoire. J’ai du considérer les divinités et les personnages principaux tels que Eric le Rouge ou bien Rollon ou encore les dieux et idoles comme Odon ou Thor…. Sans doute ces figures peuvent être présentes dans la réalisation.
Tout d’abord il m’a fallu plusieurs mois (2 ans depuis la 1ère pensée) pour réfléchir et reconnaitre les traits marquant de l’histoire des Vikings, qui me semblait très complexe. Alors j’ai compulsé des documents, des images, des textes et j’ai aussi regardé des films ou vidéos. Peu à peu, après étude et comparaison de ces sources, se sont imposées dans mon esprit des impressions fondamentales.
– En 1er lieu, j’ai constaté que pendant 3 siècles, entre 750 et 1050, la vie économique et politique du monde nordique est dominée par l’activité militaire et commerciale des Scandinaves, connus sous le nom de Vikings par le monde chrétien, qui les a dépeint comme des pirates sanguinaires d’une férocité inégalée.
– D’autre part j’ai pu voir dans les Vikings de grands aventuriers et navigateurs avec leurs Drakkars sur les mers du Groenland (en 982), en Terre neuve (en 1000) à la Russie (en 753) et au travers de la France, à Paris dans les années 800, et dans toute l’Europe, en Sicile et comment ils sont les ancêtres des Normands. J’ai retenu alors leur cruauté, leur violence insatiable, leurs pillages et rapines, la sauvagerie, les crimes de vrais barbares. Et puis j’ai eu connaissance de leur culte de ces idoles païennes et de leur mythologie . . .
Depuis des mois, pour moi, il en fut ainsi et je ne progressais pas dans ma recherche, lorsque, un jour, je me suis rendu compte que les Vikings à une époque donnée, fabriquaient de grandes Croix de Bois Immenses comme celle du Christ. Intrigué j’ai continué mes recherches et peu à peu j’ai découvert un fait majeur et indiscutable : comment ils s’étaient peu à peu convertis au Christianisme.
Un élément important dans cette conversion est peut être ce qui s’est passé en France avec le Roi Charles le Chauve : en 856 Paris est à nouveau attaquée : les vikings menacent de tout brûler si on ne leur verse pas une somme d’argent. Charles Le Chauve s’exécute (en 860). Parallèlement les Vikings semblent se calmer et en même temps avec les proximités du peuple chrétien et sous l’influence des rois, sur plusieurs siècles, peu à peu ils se christianisent.
Plus tard et à la suite de cette évolution, les preuves de la christianisation se font jour avec ces illustres trésors d’enluminures de la chrétienté (le livre de Kells) qui témoignent de leur conversion. Et puis il y eut toutes ces églises en bois comme en Norvège, ces chefs d’oeuvre d’architecture. La Christianisation se fit donc ensuite progressivement par le contact avec les populations des pays envahis. En contact avec la Foi catholique ; ils s’intègrent peu à peu et finalement l’adoration de la Croix du Christ leur paraissait compatible avec celle des idoles.
Voilà en quelque sorte, l’évolution que j’ai voulu retracer dans cette composition historique peinte.
Description de la composition » Les vikings »
Ce format horizontal voit un développement de gauche à droite.
Tout à gauche arrivent les Drakkars. Les vikings débarquent sur le sol et s’approchent du monastère anglais de Lindisfarne qui est pillé, incendié (en 793), (dans la composition, l’incendie devient une énorme tache noire avec des flammes rouges)
En bas à gauche les moines sont massacrés et l’on distingue aussi deux Vikings qui dévalisent des objets et monnaies. Plus au centre de la composition : on remarque d’une part des moines au sol et d’autre part des sortes de sculptures qui sont les idoles brisées, au pied d’une grande sculpture, représentant une idole Viking. C’est déjà comme le symbole de la Transition d’un passage d’un monde à un autre.
Les moines ont été assassinés mais maintenant les idoles sont renversées.
Un point culminant de cette évolution est l’édification de ces merveilles d’architecture en bois que sont les églises des vikings, tellement présentes et admirées en Norvège.
C’est le passage du paganisme barbare au christianisme : on le comprend avec la présence d’une grande croix monumentale de bois que les Vikings se mirent à tailler dans les campagnes… Ainsi ils s’adonnèrent à la construction d’églises en Bois.
Enfin un symbole important de cette époque des vikings, de leur conversion au christianisme est le développement des manuscrits enluminés. Ils sont ainsi représentés sur ce tableau en bas à droite :
il s’agit du livre de Kells (le grand évangéliaire de Saint Colomba.) qui est considéré comme un chef d’œuvre majeur dans l’art de l’enluminure. Il est le manifeste caractéristique de l’art irlandais et de ce style mémorable fait d’une ornementation très riche à base d’entrelacs. (le livre de Kells fut réalisé autour de l’an 800)
N B . : Saint Colomba (521- 597) est le missionnaire qui a introduit le christianisme en Ecosse et au Nord de l’Angleterre. Voir l’abbaye d’Iona.
Il s’y engage dans les années 1750 par trois entrées et mutations : • la 1ére est l’aventure de l’Encyclopédie : il s’agit là de réévaluer les arts mécaniques face aux arts libéraux. • la 2éme entrée est l’Aventure Théâtrale : cette expérience amène Diderot à faire une théorie du Tableau et de la Scène comme disposition. On pourrait parler de scénographie.
Cette 2éme mutation est marquée au début 1763 par le 2éme livre des planches de l’Encyclopédie : ce livre présente des planches de Dessin et de ce fait diffuse un canon artistique français. Il définit aussi une méthode d’acquisition de la culture artistique. Cela va produire une attention nouvelle de Diderot pour le domaine de l’Art avec les salons de 1783, 1765, 1767. • le 3éme élément déterminant sera la proposition de Grimm de rédiger des correspondances littéraires : les comptes rendus des Salons.
Le salon de 1767 présente cette 3éme mutation avec les commentaires littéraires sur l’art. Par exemple Diderot ne sépare plus la technique de l’idéal et il reconnait une autonomie artistique du faire.
Pour le développement de cette pensée et au cours de cette approche de l’Art, Diderot est imprégné des exigences de Roger De Piles. Le principe de Roger de Piles : c’est l’expérience du face à face avec l’œuvre qui permet de penser l’activité de l’imagination. Les vrais tableaux pour Diderot étaient les tableaux imaginaires : le goût de l’art, la pensée de l’Art étant destinés à déterminer une physiologie de l’esprit.
Le XIIIéme siècle, c’est Le siècle des Lumières, l’Encyclopédie, Diderot, d’Alembert. Mais Diderot c’est aussi : le goût de l’Art.
C’est le titre d’un ouvrage remarquable, catalogue d’une exposition ayant eu Lieu à Lausanne en janvier 2014. En 1759 Diderot, grâce à son ami Grimm doit rédiger les comptes rendus des expositions de l’Académie Royale de peinture et de sculpture. C’est un journal destiné à une clientèle internationale huppée pour inviter à la visite des salons d’art. Diderot fut critique et correspondant des rois en Europe : pour cela il était accompagné d’un ami, l’éditeur Naigeon ou de peintres comme Chardin ou Falconnet. Diderot, après la visite des salons, rédige ses articles pour ses illustres abonnés afin qu’ ils soient informés des Foires internationales de l’Art contemporain qui étaient très prestigieuses en Europe. Et Pour cela Diderot va beaucoup progresser en élargissant considérablement sa culture. Dans la correspondance littéraire les comptes rendus d’expositions sont les plus riches. Et ils sont attrayants par leur liberté, leur naturel de proximité.
Diverses expositions à propos de l’œuvre de Diderot : En 1984 à Paris à l’Hôtel de la Monnaie il y eut une exposition : Diderot et l’Art, de Boucher à David. 150 œuvres furent sélectionnées pour montrer la grande diversité des Salons commentés par le philosophe Diderot de 1759 à 1781. Il y eut un catalogue qui donna l’ampleur de la Connaissance de Diderot de l’art en France pour la 2nde moitié du XIIIéme siècle.
L’année 2013 fut le tricentenaire de Diderot, on a fait le point de tout ce que l’on sait de Diderot par rapport à l’Art. Plusieurs expositions ou musées ont ainsi permis de découvrir le grandes œuvres peintes ou sculptées en Europe au siècle de Lumières. Il y eut les expos de Tours et de Toulouse en 2000. Il y eut des études scientifiques. Des monographies : au Louvre, avec l’Antiquité Rêvée, une exposition marquante d’une grande richesse, qui m’a permis de beaucoup dessiner. Également Montpellier au Musée Fabre constitue un grand mouvement muséal en 2013 pour démontrer le phénomène des Salons de Diderot.
L’exposition de Montpellier présentait 3 séquences thématiques :
– Le pari de la Vérité : présente l’opposition entre Boucher et Greuze.
– Peindre et sculpter en poète : c’est l’évocation de l’UT PICTURA POESIS d’Horace dans l’œuvre de Vien, Greuze, Deshayes, Doyen, David , Adam ou Falconnet.
– Le peintre magicien : il rassemble des oeuvres de Chardin, Vernet, Hubert Robert, Loutherbourg. Diderot met en valeur la technique et le savoir de l’artiste. La Sculpture est mise en valeur avec 18 œuvres.
Le catalogue de l’exposition présente ces 3 tendances et d’autre part Diderot privilégie l’importance de la sculpture, et le rôle qu’il donne au dessin.
D’autre part pour éclairer ce travail de Diderot en Art, il y eut une exposition à Lausanne. A l’époque, la Suisse était une terre d’élection de la pensée philosophique au XIIIéme siècle.
– Il est très intéressant de citer les artistes et les œuvres qui ont inspiré les commentaires de Diderot dans les Ateliers qui étaient diffusés en Europe.
Exemples d’œuvres commentées par Diderot :
Diderot regarde Corrège et commente Poussin. Il parle de la Madeleine de Corrège : elle est voluptueusement étendue dans sa caverne.
La Manne et Esther et Assuérus de Poussin sont accrochées à son mur. A partir de la Manne et du jugement de Salomon il va exposer sa théorie des masses et des groupes.
De Poussin encore Diderot mentionne la série des Sacrements. Le Sueur et Poussin sont les références essentielles de Diderot. D’autre part il invite le lecteur à visiter des églises par exemple l’église St Gervais pour le Martyr de St Gervais et St Protais. Il évoque aussi de Le Sueur, St Paul prêchant à Athènes ou bien la prédication de St Paul à Éphèse.
D’autre part Le Brun fait partie des premières références de Diderot : il évoque les batailles d’Alexandre, la Famille de Darius, Alexandre à Babylone, le passage du Granique Alexandre et Porus.
Puis en 1767 dans les salons il fait référence au Massacre des Innocents de Le Brun et aussi à celui de Rubens. Diderot évoque Sébastien Bourdon, le Martyre de Saint Pierre, et toute une tradition sérieuse et grandiose. Il montre Vien et une Résurrection de Lazare de Rembrandt.
Mais Rubens occupe une grande place dans son esprit avec le cycle de Marie de Médicis et avec l’Élévation de la Croix.
D’autre part Diderot fait référence à la peinture hollandaise et flamande. Il parle de Téniers. Il lui oppose Boucher : face à l’artifice rococo et les boutiques d’opérettes de Boucher, Téniers apparait comme l’école de Vérité, qui est l’école des philosophes. Diderot se livre à une analyse de la composition des kermesses de Téniers qui ordonne une multitude de figures en une scène cohérente.
Enfin il parle du paysage, de Vernet et de Wouverman.
– Diderot au cours de ses déplacements visite les galeries de Düsseldorf et de Dresde à l’occasion du voyage à Saint-Pétersbourg. Il y acquiert sa culture artistique de façon atypique : et par ce biais il il accède au monde des Images par l’Allégorie. Monde qui était chez les classiques l’instrument de communication du texte vers l’image. C’est par l’allégorie que Diderot parvient à la vision et à la représentation. Ainsi il jette les principes du dispositif scénique.
Même de façon simplifiée ou incomplète Il est utile de citer ces diverses œuvres mises en lumière par Diderot., de montrer comment il est parvenu peu à peu à cette rare compréhension de l’Art, dans les commentaires des Ateliers.
La lecture des titres des œuvres est très parlante : ainsi on se rend compte d’une grande liberté d’esprit d’une ouverture à l’art le plus sublime, le plus édifiant. Qu’il s’agisse de la réalité de Téniers, de scènes mythologiques, d’allégories ou de scènes d’art sacré et de la vie des saints.
Une liberté d’expression et une élévation à méditer.
Tel est le sens de cet article.
Mes collections de dessins par milliers sur des années se rapportent à ce travail de compilation des anciens maîtres et en soi constituent une richesse de références mythologiques, bibliques, historiques et aussi par rapport à l’actualité des sciences, de la robotique, à la conquête de l’espace ou de la biotechnologie ou à la biodiversité.
Raymond DUMOUX 